Revue Visuelle : Pouvez-vous me parler un peu des peintures de votre exposition à la Atticus Arts Gallery ?

Angela Bramante : Elles s'inscrivent dans la continuité de mes idées sur la combinaison de différentes formes de peinture, de peinture en couleurs, de formes figurées et de création de motifs. Dans une large mesure, je me parle esthétiquement. Et je fais juste des allers-retours, des allers-retours.

Si je n'avais pas ce spectacle, je travaillerais encore sur ces idées. Il se trouve que tout a coïncidé et que tout s'est bien passé. La galerie est très cosy. Hauts plafonds, très intime. J'ai décidé que c'était ce que je voulais faire. Je voulais faire quelque chose qui s'intégrerait bien dans cet espace.

RV : Il y a des abstractions géométriques de champs de couleurs dans vos œuvres plus grandes, similaires aux explorations que vous faites. Vous avez des peintures de seulement deux couleurs qui ont été présentées à la Modus Art Gallery. Pouvez-vous m'en dire plus sur les nouvelles peintures blanches de l'exposition Bath ?

AB: Ce sont mes idées, mais ce n'est pas parce que j'ai réalisé quelques-unes de ces idées que je ne les referai pas. Je ne ferai probablement pas exactement cela, mais ce sera quelque chose qui découlera de cette idée.

C'est comme un flux croisé d'idées. Je ne m'en tiens pas à un seul. Ce n'est pas moi. J'aime dessiner sur ce à quoi je pense et chaque jour j'ai de nombreuses pensées différentes. Je me réveille et j'ai quelque chose sur lequel je voudrais peut-être me pencher. Cela ne veut pas dire que ces pensées sont simples. C'est la science de la résolution de problèmes.

Je ne peux pas vous dire à quoi ressemblera la prochaine photo. J'ai une idée, mais je dois me préparer mentalement pour la photo suivante, car c'est beaucoup de travail. Je sais juste ce qui est devant moi. La toile que vous regardez deviendra un tableau à un moment donné et je devrai faire beaucoup de travail pour y parvenir. Ensuite, il y en aura un autre et encore un autre.

Quand on regarde l’histoire de la peinture, il y a toujours un -isme ou une accroche. Je ne le vois pas de cette façon. Je regarde ce que je considère comme les meilleures peintures, dont la plupart étaient des peintures du XXe siècle et certaines des peintures du XIXe siècle. Il y a quelques artistes contemporains auxquels je prête attention, mais mes idées élargissent tout le canon. Donc, si il y a cent ans quelqu’un a fait quelque chose d’intéressant pour moi, alors c’est définitivement intéressant pour moi, comme Manet, Vermeer ou Dubuffet.

Au fil des années, j'ai essayé de développer un lien très étroit avec ma peinture, presque un lien physiologique. Je suis immergé dans ce que je fais et je veux y être connecté d'une manière ou d'une autre. Il s'agit de résoudre des problèmes. Il ne s’agit pas de développer de grandes compétences et de simplement les perfectionner jusqu’au coucher du soleil. Il faut continuer à prendre des risques, prendre des risques, prendre des risques, prendre des risques. Et c'est ce qui compte. Si on ne prend pas de risques, cela devient un exercice. Je n'en connais pas la valeur, la valeur significative. Je ne peux pas mesurer la pertinence de quelque chose à moins que vous ne preniez des risques – des risques notables – en peignant. Et c’est la seule façon d’avancer.

Je traite certaines de ces idées la majeure partie de ma vie, puis de nouvelles apparaissent ou surgissent. Je vais y aller. Mais ce que je fais demande beaucoup de réflexion. Et au fil des années, j’ai simplement réduit mon éventail d’intérêts. J'ai des intérêts théoriques, mais aussi d'autres intérêts physiques, ainsi que des intérêts scientifiques. J'essaie de le combiner de manière esthétique significative. C’est exactement ce que je ressens à propos de la peinture abstraite.

Arriver à quelque chose qui fonctionne comme de l’art est extrêmement difficile. Et il convient de noter qu’il a ses propres mérites et qu’il occupe son propre espace dans le temps. Cela vaut la peine d'être célébré. Et c'est ce que j'ai toujours essayé de faire. À une époque, j’ai toujours essayé de faire des tableaux qui pouvaient être accrochés au mur, placés à côté de, je ne sais pas, n’importe qui. Cézanne, Pollock, de Kooning, qui vous voulez, qui que ce soit. J'ai toujours pensé que mon objectif était de rendre le travail suffisamment bon pour y appartenir – qu'il soit là ou non, il avait sa place. Je pense que c'est ce que l'art devrait faire. Quand cela devient trop difficile, il s'éteint. Il perd sa finalité. Et l’objectif est pour le peuple. La qualité compte et vous pouvez vous opposer à tout. La conversation n’est pas celle qu’on a dans le monde de l’art, dans la critique, dans les tendances du moment ; La conversation la plus importante est celle avec soi-même.