Le prix Jeune Vague 2023 a de nouveau mis en lumière les talents exceptionnels et avant-gardistes émergeant dans la communauté artistique internationale. Cette distinction prestigieuse célèbre des artistes qui remettent non seulement en question les frontières traditionnelles de l'expression artistique, mais inspirent également de nouvelles manières de penser l'art et son impact sur la société. Le palmarès de cette année — Thomas Dellert-Bergh, Georg Oskar, Serena Vestrucci et Shamil Sultanov — représente un mélange remarquable de visionnaires, chacun apportant une voix distincte et dynamique au tissu de l'art contemporain. Leurs approches diverses et leurs techniques innovantes les ont distingués dans un domaine compétitif, démontrant leur capacité à canaliser la créativité et à communiquer des messages puissants à travers leur travail. Alors qu'ils continuent d'évoluer et d'exercer leur influence, ces artistes ne façonnent pas seulement le paysage artistique actuel, mais aident également à définir l'avenir de l'expression artistique à l'échelle mondiale.

Shamil Sultanov (né en 1976) a quitté sa Bashkortostan natale pour s'établir à Londres, au Royaume-Uni, où il est désormais un artiste résident de premier plan. Le parcours artistique de Sultanov a commencé par une formation classique en sculpture, qu'il a habilement appliquée pour créer à la fois des répliques réalistes et des œuvres originales influencées par la culture pop et l'art grec antique. Sa quête d'une perspective plus large l'a mené à Londres — une ville renommée pour sa scène artistique dynamique et diversifiée. Son exposition marquante à Bath a marqué une étape significative dans sa carrière et a mis en avant son style unique, mélangeant sans effort les techniques classiques avec les récits contemporains.

Sultanov est célébré pour son utilisation innovante des matériaux et des thèmes qui sondent sous la surface de la vie quotidienne pour découvrir des questions sociétales et personnelles plus profondes. Il travaille avec une variété de matériaux allant du calcaire traditionnel, du bronze et du marbre à des médias non conventionnels comme le plastique et le tissu, chacun choisi pour renforcer la profondeur thématique de son œuvre. Ces matériaux sont essentiels aux récits qu'il crée, reflétant les éléments éphémères et durables de l'existence moderne.

À Bath, l'exposition de Sultanov intitulée "Out of This Furnace of Doubt, to Forge the Mirror of New Men" offrait une exploration approfondie de la société contemporaine, vue à travers le prisme de l'aperçu historique et de l'expérience personnelle. Son travail aborde les complexités de la masculinité moderne, critique les valeurs capitalistes et explore la tension entre la vie contemporaine éphémère et les vérités humaines durables. Cette exposition n'était pas seulement une démonstration de compétence artistique, mais aussi un commentaire profond sur la dynamique évolutive de l'identité et de la société.

Son art confronte puissamment des thèmes tels que la déconstruction des rôles traditionnels des genres et les impacts du capitalisme mondial. L'approche de Sultanov face à ces sujets importants est à la fois critique et empathique, employant une gamme d'expressions artistiques allant des sculptures à grande échelle aux installations complexes qui encouragent les spectateurs à réfléchir et à s'engager.

L'influence de Shamil Sultanov sur la scène artistique londonienne continue de croître alors qu'il repousse les limites de la sculpture et de l'art d'installation traditionnels. Son travail invite les spectateurs à réévaluer leurs perceptions et à s'engager avec l'art d'une manière à la fois introspective et expansive. Grâce à son utilisation innovante des matériaux et à ses explorations thématiques perspicaces, Sultanov s'est taillé une niche distinctive qui dépasse le visuel, favorisant un dialogue sur l'essence de la vie contemporaine et la condition humaine universelle.

Thomas Dellert-Bergh, également connu sous ses pseudonymes Thomas Dellacroix et Tommy Dollar — un surnom qui lui a été donné par l'icône de l'art pop américain Andy Warhol — est né le 12 juillet 1963. Il est un artiste suédois polyvalent engagé dans de multiples disciplines, incluant l'art multimédia, la photographie, la peinture, le jeu d'acteur, le chant, l'écriture de chansons, la poésie, la réalisation de films, la création de mode et la décoration intérieure.

Thomas Dellert-Bergh s'est imposé comme une figure remarquable de la photographie d'art contemporaine, avec plus de 50 expositions internationales dans des musées et galeries de renom, et de nombreuses apparitions en couverture de magazines de photographie d'art majeurs à travers le monde. Son travail a reçu une exposition significative dans Photo Scandinavie, qui a publié sa plus longue feature à ce jour sur Dellacroix & Dellfina, s'étendant sur 11 pages et présentant 48 de leurs images. Jan Almlöf, rédacteur en chef de PHOTO (Foto) Scandinavie, a remarqué leur approche unique des autoportraits, qu'ils conçoivent comme des "autoportraits d'autrui", une méthode qui brouille de manière intrigante les frontières entre la réalité et l'illusion. De 2001 à 2012, il a collaboré étroitement avec son ex-épouse et partenaire Agnieszka Dellert-Dellfina, bien qu'ils se soient séparés par la suite. Ses collaborations ont inclus des photographes notables tels que Ellen von Unwerth, Bruno Ehrs, Raphael Yoshitomi et Philipp Mueller. Depuis 2013, il est en partenariat avec Ruby Vava Venezia.

Au cours des trois dernières décennies, Dellert a participé à plus de 100 expositions internationales. Ses œuvres figurent dans des collections estimées telles que la Collection Absolut Vodka, la Collection Heinz, et la Collection de la Famille Royale Suédoise, entre autres. Son art explore souvent des thèmes tels que la mort et la célébrité, en utilisant un mélange d'ironie, d'humour et d'horreur pour critiquer des problèmes sociétaux comme la guerre, le génocide et l'extrémisme. Ses entreprises artistiques se caractérisent par une approche humaniste forte, visant à provoquer la réflexion et à stimuler le discours sur des problèmes mondiaux cruciaux.

Le parcours artistique de Thomas a été significativement influencé par ses interactions avec des personnalités notables telles qu'Andy Warhol et Jean Michel Basquiat. Après avoir rencontré Warhol en 1976, Thomas a créé une série de sérigraphies manuelles, qu'il a plus tard présentées à Warhol dans sa Factory à New York en 1980 — un événement bien documenté dans le monde de l'art. Ces interactions n'ont pas seulement influencé le travail de Warhol, mais ont également conduit à l'adoption de nouvelles formes d'art et techniques, telles que l'utilisation d'impressions de camouflage et l'encadrement de peintures avec des cordes, qui sont devenues la marque de fabrique de Dellert.

La carrière de Thomas Dellert-Bergh est un témoignage de ses talents divers et de sa capacité à engager et à défier le public à travers une approche multifacette de l'art. Son travail, qui s'étend sur divers médiums, explore également en profondeur l'essence des problèmes sociétaux contemporains, faisant de lui une figure significative sur la scène artistique internationale.

Georg Oskar (né en 1985) se consacre à une gamme variée de disciplines artistiques, allant de la peinture au collage, de la photographie à l'installation, de la vidéo à la sérigraphie manuelle, sans oublier la sculpture en matériaux de récupération. L'exploration approfondie de l'essence de la vie quotidienne est au cœur de la démarche artistique d'Oskar, capturant à la fois le monde naturel et la riche complexité de l'expérience humaine. Son art se présente comme un journal visuel documentant des réflexions personnelles et incitant les spectateurs à se lancer dans un voyage de profonde introspection.

L'approche méticuleuse d'Oskar dans son art lui permet de créer des compositions offrant de multiples perspectives, poussant les spectateurs à plonger dans les complexités de l'existence moderne. Son travail est marqué par un point de vue unique qui intègre subtilement le sarcasme, tout en demeurant un reflet fidèle des expériences de la vie réelle et des environnements qui influencent nos perceptions. Dans la riche profondeur de sa palette de couleurs, un équilibre fin entre légèreté et innocence sert de contrepoids aux thèmes plus sombres, créant un espace pour que les spectateurs s'engagent avec son art à une distance contemplative.

Dans l'univers artistique d'Oskar, le quotidien est réimaginé et enrichi d'une signification plus profonde, mettant en lumière les nuances souvent négligées de la vie de tous les jours. Chaque coup de pinceau et chaque composition soigneusement agencée invitent non seulement à une inspection plus approfondie, mais aussi à une introspection sur notre propre existence. À travers cette interaction dynamique, les créations d'Oskar palpitent de curiosité et d'émerveillement, nous mettant au défi de réévaluer, de questionner et, en fin de compte, d'apprécier la beauté complexe de notre expérience humaine collective.

Le parcours de Georg Oskar à travers les arts est une démonstration puissante de l'impact profond d'une observation attentive et d'une introspection poussée. Ses œuvres évocatrices offrent une fenêtre à travers laquelle nous pouvons examiner les complexités de notre monde. À travers ses récits captivants, il saisit l'essence de ce que signifie être humain, nous incitant à explorer l'extraordinaire au sein du banal et à considérer les harmonies mystérieuses qui existent dans les interstices de la vie.

Serena Vestrucci, née en 1986 à Milan, a achevé ses études à l'Accademia delle Belle Arti di Brera de Milan. Après une longue période à Berlin, elle est retournée en Italie pour poursuivre ses études à l'Università IUAV de Venise, où elle a obtenu son diplôme en 2013. Depuis 2010, Vestrucci a participé à des résidences d'artistes en Italie, en Belgique et en Serbie, et ses œuvres ont été présentées dans des lieux prestigieux tels que le Stedelijk Museum, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo à Turin et la Fondazione Bevilacqua La Masa à Venise. En 2014, elle a rejoint le collectif d'artistes de la Fondazione Mulatta et en 2017, elle a remporté le Prix Cairo dans sa dix-huitième édition. Vestrucci vit et travaille actuellement en Italie.

Dans sa pratique, Vestrucci emploie une gamme variée de médias, allant de la peinture à la sculpture et à la vidéo. Son processus créatif est guidé par l'interaction du hasard et du contrôle, où elle explore et étire souvent les limites des différents matériaux. Elle utilise fréquemment des objets du quotidien tels que des marqueurs, des feuilles de papier colorées, du carton, du bois, des serviettes et du maquillage, transformant ces matériaux ordinaires en art extraordinaire. Son approche est caractérisée par une manipulation ludique des matériaux, où elle redéfinit leurs attributs conventionnels pour produire de nouvelles formes visuelles provocantes. Vestrucci décrit sa méthode artistique comme "tromper l'ordinaire", par laquelle elle amplifie et subvertit le banal pour le remodeler en quelque chose de spectaculaire.

L'une de ses séries notables, "Trucco" (2014-2018), illustre sa technique unique consistant à utiliser du maquillage sur toile pour créer des paysages abstraits rappelant le ciel. Cette série, présentée dans l'exposition Artuner "Memories Arrested in Space", joue sur le double sens du mot italien 'trucco' — maquillage et tour de magie — mettant en lumière la double nature de son travail à la fois littéral et métaphorique. À travers ces œuvres, Vestrucci remet non seulement en question le rôle traditionnel de la toile comme simple support de peinture, mais la réinvente également comme un participant actif dans le récit artistique.

Vestrucci s'engage à impliquer son public dans un dialogue plus profond avec l'art. Elle encourage les spectateurs à regarder au-delà de la surface et à reconsidérer les rôles du hasard et du système dans la formation de notre perception du monde. Ses œuvres provoquent une interaction profonde avec l'art, cherchant à évoquer une connexion et une compréhension extraordinaires du monde, dans la tradition romantique. Elle croit que l'expérience de l'art transcende la simple appréciation visuelle — elle implique une compréhension plus profonde, presque viscérale, qui peut exister au-delà des mots ou des explications. L'art de Vestrucci nous invite à ressentir et à nous engager avec les complexités et les beautés de notre environnement, nous mettant au défi de trouver l'extraordinaire dans l'ordinaire.